Maggiulli, la joie d’aller au théâtre MICHAL BLEIBTREU NEEMAN 16 – 31 JANVIER 2013 Culture 13 Un malade imaginaire enchante petits et grands Une fois franchi le seuil de la maison aux losanges, Attilio Maggiulli nous ouvre la porte au bout d’un couloir minuscule. Une petite salle, couverte de velours rouge et de dorures contenant à peine cent places, nous accueille. Le drôle de génie nous presse d’entrer, car il aime bien commencer à temps et même avant l’heure si possible. On a l’impression d’atterrir chez Alice au Pays des Merveilles déguisée en Arlequin et transférée dans un univers baroque. Quoi de plus théâtral et nous n’en sommes qu’au début de notre voyage. Nous nous précipitons à nos places afin que le spectacle commence. Les rideaux s’ouvrent et la magie opère : Molière monte sur scène, en compagnie de sa femme Armande et de son comédien Baron, et on y croit. Pendant une heure, ils partageront avec les enfants les secrets de la comédie italienne. Cette comédie, très populaire aux XVI e et XVII e siècles, a beaucoup marqué Molière. D’ailleurs, le thème choisi, la médecine et la maladie, le jargon insensé de la médecine, l’air prétentieux des médecins, en fait partie. À peine commencé, les comédiens invitent les enfants à monter sur scène pour essayer les différents masques et respirer cet air de la Commedia dell’arte. Dans une époque où la vie sociale de nos rejetons se fait avant tout devant les écrans, enfin, une interaction réelle leur est proposée. Quel bonheur ! Autant pour les enfants qui n’arrêtent pas de rire, que pour les parents qui se régalent, eux aussi. Puisque dans notre société de jeux vidéo c’est le règne du tout simplifié, du tout vulgarisé, le langage et l’imaginaire sont réduits pour stimuler la consommation la plus rapide, y compris celle de la culture. Attilio Maggiulli nous prouve que la Commedia dell’arte et Molière Le Théâtre de la Comédie Italienne, le seul théâtre italien en France. sont suffisamment amusants pour faire rire les bambins – sans pour autant qu’on ait à brader quoi que ce soit. Le langage est des plus châtié, les manières sont des plus sophistiquées avec, bien sûr, les excès très imagés propres à la Commedia dell’arte. Dans ce spectacle vivant, accueilli dans la minuscule salle, on peut lancer des remarques et les comédiens rétorquent sans perdre la tête ni le fil de l’action. On pourrait se croire au XVI e siècle, sur la place publique, là où le théâtre s’élaborait pleinement gardant le rapport entre la scène et le lieu public. Les excellents comédiens maîtrisent parfaitement la Commedia dell’arte. Ils savent, par leurs mouvements, dépeindre toutes les situations, tous les sentiments avec cette énergie jubilatoire de la Commedia, dans un décor magnifique et des costumes somptueux car, contrairement au théâtre français basé sur le dialogue, la comédie italienne c’est le théâtre de l’action, explique notre Molière aux enfants. Les comédiens improvisent, miment, imaginent, font des pizzas, sortent des télévisions rococo pour illustrer les procédés du genre et faire participer le jeune public. Tant d’énergie, de gestes, de paroles ! Dans cette ère des effets spéciaux, Attilio Maggiulli nous rappelle qu’on peut faire du théâtre avec rien que du talent. Il permet aux jeunes spectateurs de découvrir cet art traditionnel, préféré des rois de France. Sara Baras, symbole de liberté La Comédie italienne Attilio Maggiulli : le parcours d’un sorcier italien Il se définit comme metteur en scène-pédagogue. Certes, nous nous sommes bien amusés et avons beaucoup appris. Après une formation chez Giorgio Strehler, au Piccolo Teatro de Milan et Jacques Lecocq à Paris, il a travaillé notamment avec Ariane Mnouchkine, au Théâtre du Soleil et comme assistant à la mise en scène avec Jean-Paul Roussillon, à la Comédie Française. En 1974, il a fondé le Théâtre de la Comédie Italienne, le seul théâtre italien en France, où il a mis en scène des pièces de Commedia dell’arte et de Théâtre du Baroque-Fantastique. Attilio Maggiulli continue à former des comédiens dans le plus pur style de la Commedia dell’arte. Ainsi, l’enchanteur perpétue cette forme traditionnelle d’un théâtre qui servait jadis les Parisiens sous le règne de Louis XVI et enfin, il consacre un magnifique théâtre traditionnel, un théâtre de grande qualité, intelligent et amusant à nos enfants. Que pourrait-on rêver de mieux ? Informations pratiques Un malade imaginaire d’après Molière. Adaptation et mise en scène d’Attilio Maggiulli. Spectacle jeune public de 4 à 12 ans. Représentations mercredi, samedi et dimanche à 14h00 et tous les jours pendant les vacances scolaires toujours à 14h. Également pour adultes ou en famille : Arlequin Valet de Deux Maîtres à 20h30 du mardi au samedi et dimanche à 15h30. À la Comédie Italienne, 17-19, rue de la Gaîté, 75014 Paris. Tél. : 01 43 21 22 22. La Comédie italienne Les excellents comédiens maîtrisent parfaitement la Commedia dell’arte. La Comédie italienne Attilio Maggiulli nous prouve que la Commedia dell’arte et Molière sont suffisamment amusants pour faire rire les enfants. La Comédie italienne Quoi de plus théâtral et nous n’en sommes qu’au début de notre voyage. MICHAL BLEIBTREU NEEMAN Sara Baras est remontée sur scène après deux ans d’absence et s’est produite au théâtre des Champs Elysées pour la première fois depuis 2008. Elle est revenue avec son merveilleux corps de ballet et de musiciens pour raconter l’histoire de la première Constitution espagnole promulguée à Cadix le 19 mars 1812, nommée également La Pepa. Et Sara qui l’a incarnée est aussi grande que La Pepa, plus grande que la vie. À travers le palo de flamenco, Sara Baras nous a raconté ces moments de l’Histoire : l’horreur de la guerre, la beauté de Cadix, l’importance de la création d’une Constitution historique dans le monde, l’influence, l’espoir, la joie, la joie de vivre et la liberté. Son vœu était de montrer ce caractère particulier du peuple de sa terre natale qui conduit à une Pepa d’aujourd’hui, 200 ans plus tard. Le spectateur s’est trouvé projeté en plein milieu de la guerre d’indépendance contre les troupes napoléoniennes ; les amateurs d’art se souviendront de la fameuse Tres de Mayo de Francisco Goya. Goya nous a raconté la répression de Madrid, Sara nous a raconté la résistance de Cadix. Elle nous l’a déployé pas à pas, dès le commencement. Cependant ce qui devait inspirer le drame est plutôt tombé entre deux chaises. Ce que Sara a réussi maintes fois dans le passé : sortir le flamenco de son image folklorique, de ses jupes trop rigides, Carmen Romero a laissé cette fois-ci le spectateur un peu mal dans sa peau devant ce mélange étrange et bien remâché de Martha Graham théâtre noir et Antonio Gades. Heureusement, pas pour longtemps : car au moment où Sara Baras est montée sur scène, elle a amené avec elle le flamenco, le vrai, le bon, le beau. Celui qui ouvre les bras, lève la poitrine et s’envole avec les mains. Et Sara a des mains, comme deux colombes, des grandes mains, encore plus impressionnantes sous la lumière blanche dans sa robe de couleur foncée. Elle a besoin de temps, elle se chauffe. Elle marque le rythme avec ses talons, et peu à peu elle disparaît, elle devient le mouvement, la beauté, la liberté. Elle incarne ce qu’annonce sa propre voix dans le spectacle : une attitude, un sentiment, une forme d’être, un caractère, un espoir ou la voz del pueblo en forma de mujer y respira libertad – La Pepa bien sûr mais pour nous, humbles spectateurs, c’est surtout le flamenco. Sara ne s’arête pas à la virtuosité de son zapateado qui fait qu’on la compare a Carmen Amaya - la première bailaora à mettre en valeur le travail des pieds réservé jusquelà aux hommes. Elle nous présente également la profondeur de cette danse et sa variété. Il n’est pas étonnant que la scène du port de Cadix soit illustrée par La danse Guajiras qui fait partie des rythmes qu’on appelle Cantes de ida y vuelta, de « va-et-vient ». Ce sont les rythmes de flamenco qui sont partis outre mer et revenus en Espagne avec cette nuance transatlantique, cet air léger de la musique latino-américaine. C’est cette ouverture au monde qui caractérisait tant la ville de Cadix, lieu d’échange d’idée que La Pepa de Sara Baras célèbre. Et puis, de ces danses légères, nous passons au Cante Jondo, « le chant profond » qui caractérise les chants plus anciens comme la Seguirllia d’expression dramatique. Ou encore comme la Solea ou le Martinete, une danse accompagnée de chant et des coups de marteau des forgerons selon la tradition, donc sans instrument de musique. C’est avec le Martinete, le chant le plus ancien, le plus profond et le plus douloureux que La Pepa s’ouvre, représentant la guerre civile. Et c’est avec l’Alegria, le chant de la joie comme son nom l’indique, que La Pepa s’achève. Carmen Romero ◄ Sara nous raconte la résistance de Cadix, pas à pas, dès le commencement. ◄◄ Sara Baras incarne la Pepa On compare souvent La Pepa à la Marianne. Mais si la Marianne est née de la révolution populaire, le triomphe du peuple espagnol est inséparable de la grâce divine. La Pepa, comme son nom l’indique, est née le jour de Saint-Joseph – Pepe en diminutif et Pepa pour la femme. Le flamenco est bien enraciné dans cette foi et Sara Baras nous l’a fait comprendre à plusieurs reprises, et entre la douleur et la joie, elle nous emmène directement à la messe. La Pepa création 2012 au théâtre des Champs-Elysées du 21 décembre 2012 au 8 janvier 2013.